Isaidelosreyes
Delta
Diseñador
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Antes que nada es necesario saber ¿que es el Diseño Gráfico?
El diseño gráfico surgió como disciplina independiente a mediados del Siglo XX. En términos generales se puede definir el diseño como la ordenación, composición, y combinación de formas y figuras, pero también se puede entender el diseño sencillamente el dibujo o conjunto de líneas principales de una cosa, en concreto el diseño gráfico debe conocerse como el arte y la técnica de traducir ideas en imágenes y formas visuales.
El diseñador gráfico es un artista al servicio de los que le encarguen su trabajo, aunque en la actualidad se ha ampliado enormemente al aumentar los procesos técnicos de reproducción y ser mucho mas satisfactorios. El artista se puede manifestar como le parezca sin preocuparse ni de la interpretación que se le de a su obra.
Además de la publicidad y los Medios de Comunicación de Masas (MCM) el trabajo del diseñador se ha extendido a campos diferentes como los que tienen que ver con la imagen corporativa, señaletica, empaquetado. Antes de que se pudiera hablar de diseño gráfico, existía el arte gráfico, que como un arte menor tomaba de los estilos artísticos, las influencias lógicas que han quedado manifiestas en impresos y libros a lo largo del tiempo.
Ahora bien aprendamos un poco sobre los elementos básicos del diseño
Todo diseño tiene estructura, con ella vienen el orden y el significado del mensaje que se quiere transmitir, el objeto de la fuente emisora del mensaje impreso es la transferencia de significado a la mente del lector. Con este fin, la fuente emisora elige los elementos verbales y gráficos y los dispone en una estructura. Cada vez que se diseña o proyecta algo gráficamente, se hace uso de un conjunto de elemento fundamentales en la comunicación visual que contribuyen el esqueleto básico de lo que se esta configurando y que serán lo que en ultima instancia perciba el receptor de la comunicación.
La forma visual es un lenguaje y consta de un vocabulario. Esta formado por una serie de elementos (el punto, línea, forma, tono, textura y espacio). Haremos uso de ellos por combinaciones, repeticiones o ausencias con el fin de transmitir el mensaje visual de la manera más efectiva posible.
El Punto: Este elemento estructural es tanto imaginario como real. En cualquiera de los dos casos hace referencia a una posición en el espacio y ejerce una fuerte atracción sobre el ojo. El centro óptico de un impreso es un ejemplo de punto imaginario, como las letras iniciales, que actúan como puntos. De la misma forma se usan los puntos grandes para atraer la vista. El punto supone la unidad mínima de comunicación visual. Es el elemento gráfico fundamental, el mas económico y simple del alfabeto visual y además es el único elemento gráfico irreducible en si mismo.
La línea: También puede ser real o imaginaria. Es real cuando se utiliza para líneas de formas como sucede en el dibujo lineal o en figuras o letras del alfabeto. Es imaginaria en las palabras y en las oraciones que en si mismas forman líneas. Para el diseño, es muy importante la línea imaginaria. La línea, es una forma de energía que divide en letra, encierra y define los espacios. No solo comunica formas sino también estabilidad, movimiento, acción y dirección. Por definición, sirve para conectar dos puntos en el espacio aunque también puede entenderse como el resultado de la animación de un punto. La línea constituye un elemento indispensable para poder visualizar materialmente todo aquello que tenemos en nuestra imaginación y en cualquier tipo de dibujo. Es rígida y definida en el dibujo técnico o expresivo y
espontánea en el dibujo artístico. Tipos de líneas:
Líneas dominantes: son las que dirigen el movimiento, la fuerza, la posición o la forma. Ejemplo los
titulares.
Pautas: que apoyan la medida de la composición o las formas más dominantes de la letra. Ejemplo: filetes,
marcos, remate.
Plantillas o retículas: mediante las que las que se colocan los distintos elementos de la página.
La forma: Las formas se articulan con las líneas, pero también pueden definirse en relación al tono, la
textura, los contornos y el tamaño. El ser humano, impone a lo que ve tres formas básicas: cuadrados, círculos y triángulos. Existen infinitas variaciones y combinaciones de las formas. Psicológicamente cada forma sugiere su propio significado. En diseño las formas se definen mediante sólidos y masas. Un sólido,
es un elemento de tamaño y contorno definidos, por ejemplo: una fotografía; y una masa es un conjunto de piezas individuales que colectivamente forman una unidad, por ejemplo una columna de texto. Los sólidos y las masas establecen y mantienen el orden de prioridad de la composición. Hay que considerar detenidamente la colocación del espacio de los sólidos y las masas para que exista una armonía entre ellos.
El tono: La palabra tono, se refiere a la claridad u oscuridad relativa. Solo por este contraste percibimos
visualmente puntos, líneas, formas y texturas. También se le llama valor tonal. Nuestros sistemas visuales están equipados para percibir el color y eso es lo que vemos en la naturaleza, sin embargo una simbolización o representación en blanco y negro es perfectamente aceptable e interceptable por que el tono tiene una importancia básica para la percepción y la adquisición de información a la hora de comprender un impreso o imagen. En general, las masas de gris pueden analizarse para determinar su valor tonal. Una escala de valores tonales iría desde 0% que correspondería al blanco, hasta el 100% que correspondería al negro. El valor tonal es una referencia que ayuda a determinar los niveles de contraste y permite dirigir el interés del diseño.
La textura: Toda estructura de una superficie puede ser percibida visualmente como algo que tiene textura.En diseño gráfico, la textura es el motivo de luces y sombras creado por la repetición de letras y formas en relación con el espacio que les rodea. Aparece siempre que las letras o los símbolos se imprimen formando bloques o cajas de texto. La trama de la textura puede ser abierta, aleatoria o prieta. Pueden crearse texturas repitiendo formas iguales o similares; o modificando la estructura bidimensional de la estructura de la superficie de la página. La fuerza de la textura guarda una relación directa con el espaciado entre tipos, cuando se trata de un texto y con la repetición cuando es un fondo o un adorno. El diseñador debe controlar la textura para que no interfiera con otros elementos del diseño. Las texturas no tipográficas son elementos energéticos que contienen distintas intensidades de tonos claros y oscuros y suelen producir mejores resultados cuando el texto no las pisa.
El espacio: Es el ámbito en el que actúan los demás elementos y la base sobre la que va a realizarse todo el diseño. El resultado de la composición viene determinado por la selección y la yuxtaposición de los demás elementos dentro del espacio que se les ha reservado. En diseño, el espacio es un elemento ambiguo que puede estar definido tan rígidamente como en el papel de dibujo de un delineante, como ser ilimitado e infinito como el cielo. El diseñador debe comprender que los elementos en del espacio interior del diseño tienen que sostener el motivo central y debe de ser consciente también de la influencia que el espacio exterior ejercerá sobre el diseño.
Tipos de espacio en el diseño tipográfico:
Hay que considerar el espacio definido en su interior por algunas letras (blanco interno) y el que queda
entre las propias letras (separación de letras)
- Espacio entre palabras, que es necesario para diferenciar y que confiere a las palabras. Esa identidad que las hace inmediatamente reconocibles.
- El espacio entre las líneas o interlineado, que es el espacio horizontal que separa unas líneas de otras y
contribuye a la legibilidad.
Algo también importante que es necesario saber es los elementos formales del diseño
Existen normas de estilo en el diseño, igual que en la escritura. Estas normas y principios son: El contraste, el
equilibrio, la proporción, el ritmo, la armonía, el movimiento y la unidad.
El contraste: En todas las formas de comunicación, algunas ideas deben enfatizarse más que otras. En diseño gráfico hay que tener en cuenta este principio, para realizar una selección de estas determinadas ideas. El contraste será una herramienta poderosa del diseñador para agudizar el significado del impreso
puesto que muchos conceptos solo se pueden comprender en función del concepto de lo que significa lo contrario. Puede aplicarse el contraste aplicando polaridades de tamaño, forma, tono, textura y de dirección.
- Tipos de contraste:
Contraste en el tamaño: ej.: Ilustraciones pequeñas enfrentadas a ilustraciones grandes, para
evitar la monotonía y hacer que sea mas atractivo.
- Contraste en la forma: ej.: Un impreso con varias ilustraciones mejora si una de ellas es
irregular.
- Contraste en el tono: ej.: un impreso con un dibujo en grises o una fotografía en blanco y
negro mejora si se coloca una parte de la iluminación con un color muy vivo.
- Contraste en la textura: ej.: En una fotografía donde hay dos personas resulta mas interesante
si la capa de uno es áspera y la del otro suave.
- Contraste en la dirección: ej.: un impreso que tenga un encabezamiento horizontal y el resto
sea ilustración vertical para que el lector dirija la vista hacia abajo inmediatamente.
El equilibrio: existe cuando los elementos están colocados con un sentido de contrapeso, es decir, situados de forma que los pesos de los elementos se contrarresten para que aparezcan
arraigados al sitio donde están.
Hay dos tipos de equilibrio:
- Equilibrio simétrico: Todo a la misma distancia (los elementos)
- Equilibrio asimétrico: Es el resultado de conjugar otras condiciones distintas y conseguir dar la sensación de equilibrio.
La diferencia mas importante entre los dos tipos de equilibrio está en el uso del espacio en blanco. Este espacio tiene un papel pasivo en el diseño simétricamente equilibrado pero en el
asimétrico este espacio se convierte en parte activo de la representación visual ofreciendo diferentes puntos de atracción.
Proporción: El ojo humano se mueve a saltos en un diseño mientras que el cerebro compara constantemente la información que recibe con la que ha recibido un momento antes midiendo
las fuerzas composicionales. La proporción representa los resultados de la toma de decisiones del lector refiriéndose a la relación de un elemento con otro o al diseño entendido como un
todo con dimensiones que reflejan determinado tamaño. Ciertas promociones son más atractivas a la vista que otras, la primera tarea en diseño es elegir el tamaño del impreso y sus dimensiones. Las dimensiones mas atractivas son aquellas en las que la relación entre el ancho y la altura no es obvia para el ojo.
Ritmo: Se logra a través de la repetición ordenada de cualquier elemento ya sea línea, forma, tono, textura, etc.
- Ritmo simple o constante: Es la sencilla o monótona repetición del mismo motivo; un signo, una palabra, una viñeta, unas líneas de caracteres.
- Ritmo compuesto o libre: Es el que consigue variedad al combinar dos o mas ritmos simples, es decir, distintos elementos y estructura de la pagina, proporciones y su
disposición, tonos, etc.
Armonía: La inteligencia humana busca también en el diseño la similitud entre elementos análogos o acordes entre sí. La armonía es la agradable combinación o consonancia entre las
formas y estilos de las cosas. Se refiere a la correspondencia entre los distintos elementos del mismo o semejante estilo, por ejemplo: caracteres con ilustración. también es armonía de
forma la semejanza de los componentes con el espacio en que van colocados.
Movimiento: el acto mismo de leer o mirar produce un sentido de movimiento por que el ojo se mueve de izquierda a derecha y de arriba abajo sobretodo en diseño tipográfico (diseño de elementos con texto). En otros tipos de diseño el control del movimiento ocular se vuelve mas problemático ya que el ojo se encuentra libra para mirar a cualquier punto en cualquier
momento. El diseñador deberá manejar los elementos para que la interpretación del impreso sea la adecuada.
Unidad: Es el fundamento estético del orden compositivo y la finalidad que debe perseguirse con la distribución y organización de los elementos que se combinan en diseño. Sin la unidad resultarían imposibles la estabilidad y la claridad y existiría la confusión y dispersión de los elementos. Los elementos individuales del mensaje deberán relacionarse entre sí y también con el diseño total para que el impreso pueda registrar una sola impresión general.
Ya dejando un poco la teoría veamos algo muy importante que nuestros clientes deben saber
¡¡SOMOS DISEÑADORES GRÁFICOS, NO PROGRAMADORES!!
Porque ante todo somos diseñadores gráficos. Entendemos de vectores y bits, de colores y formas… pero no nos llevamos bien con el HTML, el PHP sabemos que no es una droga de diseño, pero tampoco acertamos a saber exactamente cómo funciona, porque diseñamos con Indesign e imprimimos sobre papel, vinilo, cartón o nubes de algodón, pero no escribimos etiquetas y corchetes, porque sabemos diseñar una web (somos los mejores haciéndolo) pero en la escuela no nos han dado tres años de programación. Sólo por eso, y porque es el sueño de todo diseñador gráfico, gritamos: ¡Pon un programador en tu vida! Nosotros diseñamos, ellos hacen que funcione. Fácil y efectivo.
Es muy importante y tengo que aclarar esto ¡¡Todo diseñador gráfico debe tener su estilo!!
La comunidad de diseño gráfico esta creciendo rápidamente. Gracias al apoyo de la Web todos los días miles de personas son capaces de mejorar sus habilidades y técnicas. Es el sueño de todos convertir este conocimiento en un trabajo de tiempo completo. La pregunta es: ¿cómo sobresalir de la multitud?
Algo que gusta de este campo es que para ser un diseñador gráfico profesional no es necesario tener un titulo de alguna escuela. Con esto no se quiere decir que las escuelas de diseño gráfico sean malas. Simplemente si Usted tiene las cualidades necesarias trabajara. Si tiene talento sera observado y seguramente se le requerirá para trabajar en proyectos sin que se le cuestione sobre los antecedentes de sus estudios. Por esta razón, un creciente numero de personas, especialmente jóvenes, tienen ambición de trabajar en este sector, empujando con fuerza a la competencia en el mercado. En un mercado tan competido solo se mantiene quien ofrece algo único
La importancia del estilo.
Nuestro estilo de trabajo es lo que nos permite ser diferentes de los demás.
“¿Que es el estilo en el diseño gráfico? Es lo que permite a su trabajo ser reconocido entre miles de obras”
Este concepto de estilo esta conectado a la identidad. Un estilo único es testimonio de una fuerte identidad y con ello de una marca ganadora. Cuando un cliente decide contratar a un diseñador garfio, tiene ya la idea del resultado final, ya que deciden casarse con el estilo del diseñador gráfico para su producto.
Como crear nuestro propio estilo
Crear un estilo propio es un proceso natural. Usted no puede imponerse a si mismo con que frecuencia usara remolinos o flores en sus diseños. Usted es ellos.
Si es un joven diseñador gráfico en busca de identidad, empiece por observar las obras de diseñadores gráficos conocidos. Pero crear e inspirar a los demás no significa copiar, aunque aparentemente esta sea la intención al explorar el mundo de los gráficos. Se debe experimentar y trabajar hasta encontrar el estilo que mejor parezca que nos representa.
Antes de terminar dejo algo que les servirá
7 consejos para ser un diseñador gráfico freelance exitoso
1. Ama lo que haces. Creo que este punto no necesita mayor explicación, sin este factor, independientemente de si eres diseñador o no, estas frito.
2. Nunca pares de aprender. En este mundo si te descuidas, en pocos meses estas obsoleto.
3. Especialízate. El que mucho abarca poco aprieta, bendito refrán que nunca pasa de moda. Aunque una amplia gama de habilidades son necesarias para ser un buen freelancer, es importante especializarse en algo, pero no a expensas de tus otras habilidades. Si eres diseñador Web, desde hace tiempo sabrás que se complica vender ya sitios solamente hechos con Dreamweaver, ahora debes ofrecer algo más. Necesitas estar al día en tendencias y tecnologías relacionadas.
4. Tener un buen portafolio. Esto puede ser muy complicado para los que apenas empiezan. El mejor consejo que da es que nunca regales tu trabajo porque es perjudicial para todos. Si debes trabajar gratis, considera ofrecer tus servicios a instituciones de caridad o grupos de tu comunidad que no puedan contratar a un profesional. También puedes empezar a crea tu propio proyecto personal.
5. Mantente conectado. No se refiere solamente a la Internet, aunque un blog ayuda mucho. La mejor manera de conseguir trabajos es utilizando tus contactos en y fuera de línea. Al empezar es bueno que les avises a todos tus conocidos y familia lo que estas haciendo. Pregunta si saben de alguien que necesite un sitio web. Asiste a reuniones o a conferencias y no olvides llevar siempre un buen puñado de tarjetas de presentación, este es un buen modo de conseguir buenos contactos.
6. Administra tu tiempo. Como ya lo mencionaba antes, esta es una de las áreas más complejas de hacerse independiente. Debes conseguir el mejor método para ser productivo y administrar tus tiempos.
7. Construye tu reputación. Haz que los clientes vengan a ti. Para ello tus actuales clientes pueden ser fuente de referencia de tu buen trabajo, expone tus conocimientos en exposiciones o artículos.
Sin mas nada que decir, simplemente doy gracias a todas esas personas que se han tomado el tiempo de leer todo esto que me ha llevado un tiempo crearlo. Antes de irte puedes pasar por este tema que es muy importante que lo leas, de mi gran amigo Anibal Bonilla creador de LATITUT.
¿El Diseño Gráfico sea ha deteriorado?
Acá dejo una pagina de facebook donde conseguirán buenos chistes para un Diseñador Gráfico
Chistes para Diseñadores Gráficos
